program

SAMI SEIF | سامي سيف
Shubho Lhaw Qolo | شوبحو لهاو قولو
Featuring Sam Nelson, viola
West coast premiere; runner-up, One Found Sound's 2024 Emerging Composer Award

GUSTAV MAHLER 
Adagietto from Symphony No. 5

TY BLOOMFIELD
FLUX // DRIVE
World premiere; Winner, One Found Sound's 2024 Emerging Composer Award 

W.A. MOZART
Symphony No. 40 in G minor, K. 550
I. Molto allegro
II. Andante
III. Menutetto. Allegretto
IV. Allegro assai

land acknowledgement

One Found Sound respectfully acknowledges that the land on which we are gathered for this performance, and on which we have gathered for our rehearsals, is located on the unceded ancestral homeland of the Ramaytush Ohlone peoples—specifically the Yelamu—an independent tribe of the Ramaytush Ohlone that once inhabited what is now known as San Francisco County.

We share our acknowledgement with you to pay our respects to the ancestors, elders, descendants, and relatives of the Ramaytush Ohlone peoples; to affirm and promote consciousness of the cultural and sovereign rights of First Peoples; as a step in our continuing efforts to recognize the ongoing atrocities and brutalities of colonialism; and as a step in understanding our place in the process of decolonization and reconciliation as individuals, as artists, as an orchestra, and as a community.

We recognize that the Ramaytush Ohlone Peoples, as the original stewards of this land, understood the interconnectedness of all things and maintained harmony with nature for millennia, and we honor them for their enduring commitment to Mother Earth.

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Visit the Association of Ramaytush Ohlone online at ramaytush.org

reconocimiento del territorio

One Found Sound reconoce respetuosamente que la tierra en la que nos reunimos para esta presentación, y en la que nos hemos reunido para nuestros ensayos, se encuentra en el territorio ancestral no cedido de los pueblos Ramaytush Ohlone—específicamente de los Yelamu—una tribu independiente de los Ramaytush Ohlone que habitó lo que hoy se conoce como el condado de San Francisco.

Compartimos este reconocimiento con ustedes para honrar a los ancestros, mayores, descendientes y familiares de los pueblos Ramaytush Ohlone; para afirmar y promover la conciencia sobre los derechos culturales y de soberanía de los Primeros Pueblos; como un paso en nuestros esfuerzos continuos por reconocer las atrocidades y brutalidades persistentes del colonialismo; y como un paso hacia la comprensión de nuestro lugar en el proceso de descolonización y reconciliación como individuos, como artistas, como orquesta y como comunidad.

Reconocemos que los pueblos Ramaytush Ohlone, como los guardianes originarios de esta tierra, comprendían la interconexión de todas las cosas y mantuvieron la armonía con la naturaleza durante milenios, y los honramos por su compromiso perdurable con la Madre Tierra.

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Visita la Asociación de los Ramaytush Ohlone en línea en ramaytush.org.

One Found Sound

Sami Seif | سامي سيف
Shubho Lhaw Qolo | شوبحو لهاو قولو

Versión en español a continuación

“ Shubho Lhaw Qolo is a Syriac Aramaic chant which is traditionally sung during Christmas season. Having grown up with this chant, it deeply resonates with me. Most modern settings of this chant are bilingual: using both Aramaic and Arabic. I wrote my own setting of the chant to be performed by a solo viola rather than sung. The music draws upon a lot of exotic sounds in order to evoke sublime, otherworldly divinity, awe and marvel.” - Sami Seif

Lebanese composer and music theorist Sami Seif has been praised as “a distinctive compositional voice” who creates “intoxicating and fascinating soundworld[s]”. Described as “very tasteful and flavorful” with “beautiful, sensitive writing!”, his music is inspired by the aesthetics, philosophies, paradigms, and poetry of his Middle-Eastern heritage. Originally from the small town of Ashkout in Mount Lebanon, he was born in Abu Dhabi and is fluent in Arabic, French and English. He started out at the age of twelve as a self-taught musician, composing and playing microtonal keyboards. Not having had access to formal music education, Seif taught himself how to read and write music by reading theory textbooks.

Seif is currently a doctoral fellow in composition at the CUNY Graduate Center. samiseif.com

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Sami Seif is the runner-up of One Found Sound's 2024 Emerging Composer Award, an annual award that supports the performance of new music with a focus on young composers from underrepresented groups. Selected from an annual call for scores, the winning composition is performed and recorded live by One Found Sound. Read more about this award here.

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ESPAÑOL

“Shubho Lhaw Qolo” es un canto en arameo siríaco que tradicionalmente se interpreta durante la temporada navideña. Habiendo crecido con este canto, resuena profundamente en mí. La mayoría de las versiones modernas de este canto son bilingües: utilizan tanto arameo como árabe. Yo escribí mi propia versión del canto para ser interpretada por una viola sola en lugar de ser cantada. La música recurre a muchos sonidos exóticos con el fin de evocar una divinidad sublime, de otro mundo, asombro y maravilla.
— Sami Seif

El compositor y teórico musical libanés Sami Seif ha sido elogiado como “una voz compositiva distintiva” que crea “mundos sonoros fascinantes e intoxicantes”. Descrito como “muy elegante y lleno de sabor”, con “una escritura hermosa y sensible”, su música se inspira en las estéticas, filosofías, paradigmas y poesía de su herencia mediooriental. Originario del pequeño pueblo de Ashkout en el Monte Líbano, nació en Abu Dabi y habla con fluidez árabe, francés e inglés. Comenzó a los doce años como músico autodidacta, componiendo y tocando teclados microtonales. Al no tener acceso a una educación musical formal, Seif aprendió por su cuenta a leer y escribir música mediante libros de teoría.

Actualmente, Seif es becario doctoral en composición en el CUNY Graduate Center.
samiseif.com

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Sami Seif es el segundo finalista del Premio para Compositores Emergentes 2024 de One Found Sound, un premio anual que apoya la interpretación de música nueva con un enfoque en compositores jóvenes de grupos subrepresentados. Seleccionada a partir de una convocatoria anual de partituras, la obra ganadora es interpretada y grabada en vivo por One Found Sound.
Lee más sobre este premio aquí.

Gustav Mahler
Adagietto from Symphony No. 5

Versión en español a continuación

Gustav Mahler spent the summer of 1901 at his new villa in Maiernigg on the shores of Wörthersee in Southern Austria. There, the composer found tranquil respite from his life in Vienna, where he was busy directing both the Vienna State Opera (Wiener Hofoper) and the Vienna Philharmonic’s subscription series—all while contending with chronic health issues. In his newly constructed composing cottage in the woods behind his villa, that summer Mahler began blueprinting the beams and columns upon which he would build his prodigious Fifth Symphony.

Back in the city, through Vienna’s circle of creatives Mahler met Alma Schindler, a composer and pianist who was then involved with Mahler’s colleague Alexander Zemlinsky. After a whirlwind courtship, Alma and Gustav married in March of 1902, their eldest daughter Maria was born that July, and by the end of that summer—back in Maiernigg, this time with a young family—his Fifth Symphony was complete.

A leviathan of the classical canon, Mahler’s Fifth Symphony likewise finds a moment of tranquil respite in its fourth movement, an Adagietto, to be played Sehr langsam (very slowly). Since its first performance in 1904 the Adagietto has entranced us all, evoking everything from love to sorrow, joy to mourning, and tension to release, casting an ineffable spell that stirs something in all of us.  

In a letter to the conductor Willem Mengelberg, Alma mentioned that the Adagietto was written as a love letter, for which her new husband even composed a companion poem:

Wie ich dich liebe, Du meine Sonne,
ich kann mit Worten Dir’s nicht sagen.
Nur meine Sehnsucht kann ich Dir klagen und meine Liebe.

How much I love you, you my sun,
I cannot tell you that with words.
I can only lament to you my longing and love.

Like a symphonic analog to Franz Schubert’s Ave Maria or Louis Armstrong’s What a Wonderful World, Mahler’s Adagietto has claimed icon status in the pantheon of Western sounds as music befitting both the beginning of life and the end, and all of the bedlam and beauty in between.  
– Georgeanne Banker

Gustav Mahler
Adagietto de la Sinfonía n.º 5

ESPAÑOL

Gustav Mahler pasó el verano de 1901 en su nueva villa en Maiernigg, a orillas del Wörthersee, en el sur de Austria. Allí, el compositor encontró un remanso de paz lejos de su agitada vida en Viena, donde se ocupaba de dirigir tanto la Ópera Estatal de Viena (Wiener Hofoper) como la serie de conciertos por suscripción de la Filarmónica de Viena, todo mientras lidiaba con problemas de salud crónicos. En su recién construida cabaña de composición, ubicada en el bosque detrás de la villa, Mahler comenzó ese verano a trazar el plano estructural —las vigas y columnas— sobre el cual construiría su colosal Quinta Sinfonía.

De regreso en la ciudad, a través del círculo de artistas de Viena, Mahler conoció a Alma Schindler, compositora y pianista que entonces mantenía una relación con el colega de Mahler, Alexander Zemlinsky. Tras un intenso romance, Alma y Gustav se casaron en marzo de 1902, su hija mayor Maria nació ese julio, y hacia el final de ese verano—ya de nuevo en Maiernigg, esta vez con una joven familia—su Quinta Sinfonía estaba completa.

Un leviatán del canon clásico, la Quinta Sinfonía de Mahler también encuentra un momento de tranquilo respiro en su cuarto movimiento, un Adagietto, que debe interpretarse Sehr langsam (muy lentamente). Desde su primera interpretación en 1904, el Adagietto nos ha hechizado a todos, evocando desde el amor hasta la tristeza, la alegría hasta el duelo, la tensión hasta la liberación, lanzando un hechizo inefable que conmueve algo profundo en cada uno de nosotros.

En una carta al director de orquesta Willem Mengelberg, Alma mencionó que el Adagietto fue escrito como una carta de amor, para la cual su nuevo esposo incluso compuso un poema complementario:

Wie ich dich liebe, Du meine Sonne,
ich kann mit Worten Dir’s nicht sagen.
Nur meine Sehnsucht kann ich Dir klagen und meine Liebe.

Cuánto te amo, tú, mi sol,
no puedo decírtelo con palabras.
Sólo puedo lamentarte mi anhelo y amor.

Como un análogo sinfónico del Ave Maria de Franz Schubert o del What a Wonderful World de Louis Armstrong, el Adagietto de Mahler ha alcanzado el estatus de ícono en el panteón de los sonidos occidentales, como una música que se adapta tanto al comienzo de la vida como a su final, y a todo el caos y la belleza que ocurre en medio.
— Georgeanne Banker

Ty Bloomfield
FLUX//DRIVE

Versión en español a continuación

“I am not particularly interested in composing electronic or pop music, nor would I say I'm inspired by it much (aside from songs of these genres that I really like). I did, however, notice that I hadn't touched on my personal taste in my own music. Although electronic music is not my favorite, I do listen to some lo-fi music, as well is a strange connection that several of my favorite wind ensemble works are based on electronic music. After taking my first class on electronic music composition, I had to write several electronic works - and this is an adaptation of one of them. Originally composed for the electric guitar, bass guitar, drum set, and piano, FLUX//DRIVE is my acknowledgment of my soft side for electronic and pop music and emulates several elements I like in the genre.” - Ty Bloomfield
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The music of Chicago-born composer Ty Bloomfield is characterized by its intimate and patient soundscapes, jazzy undertones, hidden melodies, and emotional complexity. His recent works, focused on conveying social dynamics, have been based on topics such as companionship, love, competition, and hostility.

Driven by the excitement of collaborating with a wide range of artists, he has collaborated with and been performed by the JACK Quartet, the Unheard-Of//Ensemble, Lati2de, clarinetist Berginald Rash, and FLYDLPHN among many others. Bloomfield is a Dorothy Greenwald Fellow at the University of Michigan where he is pursuing a master’s in music composition under the guidance of Bright Sheng and Michael Daugherty. tybloomfield.com

Ty Bloomfield is the winner of One Found Sound's 2024 Emerging Composer Award, an annual award that supports the performance of new music with a focus on young composers from underrepresented groups. Selected from an annual call for scores, the winning composition is performed and recorded live by One Found Sound. Read more about this award here.

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Ty Bloomfield
FLUX//DRIVE

ESPAÑOL

“No estoy particularmente interesado en componer música electrónica o pop, ni diría que me inspira mucho (salvo por canciones de estos géneros que realmente me gustan). Sin embargo, noté que no había tocado mi gusto personal en mi propia música. Aunque la música electrónica no es mi favorita, sí escucho algo de lo-fi, además de una extraña conexión: varias de mis obras favoritas para banda de alientos están basadas en música electrónica. Después de tomar mi primera clase de composición de música electrónica, tuve que escribir varias obras electrónicas, y esta es una adaptación de una de ellas. Originalmente compuesta para guitarra eléctrica, bajo eléctrico, batería y piano, FLUX//DRIVE es mi reconocimiento a mi lado suave por la música electrónica y pop, y emula varios elementos que me gustan del género.” - Ty Bloomfield

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La música del compositor Ty Bloomfield, nacido en Chicago, se caracteriza por sus paisajes sonoros íntimos y pacientes, matices jazzeados, melodías ocultas y complejidad emocional. Sus obras recientes, enfocadas en transmitir dinámicas sociales, se han basado en temas como la compañía, el amor, la competencia y la hostilidad.

Impulsado por la emoción de colaborar con una amplia variedad de artistas, ha trabajado con y ha sido interpretado por JACK Quartet, Unheard-Of//Ensemble, Lati2de, el clarinetista Berginald Rash y FLYDLPHN, entre muchos otros. Bloomfield es becario Dorothy Greenwald en la Universidad de Michigan, donde cursa una maestría en composición musical bajo la tutela de Bright Sheng y Michael Daugherty. tybloomfield.com

Ty Bloomfield es el ganador del Premio para Compositores Emergentes 2024 de One Found Sound, un premio anual que apoya la interpretación de música nueva con un enfoque en compositores jóvenes de grupos subrepresentados. Seleccionada a partir de una convocatoria anual de partituras, la obra ganadora es interpretada y grabada en vivo por One Found Sound. Lee más sobre este premio aquí.
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Wolfgang Amadeus Mozart
Symphony No. 40 in G Minor, K. 550

I. Molto allegro
II. Andate
III. Menuetto. Allegretto
IV. Allegro assai

Versión en español a continuación

Somehow, in the summer of 1788, Wolfgang Amadeus Mozart composed what were to be his final three symphonies within the span of about six weeks: his Symphony No. 39 in E-flat Major; Symphony No. 40 in G Minor; and Symphony No. 41 in C Major. The symphonic middle child—one of just two Mozart symphonies set in a minor key—is a relentlessly nervous work notable for its lack of a loud introduction and its tumultuous Sturm und Drang (storm and stress) aesthetic. Symphony No. 40 is equally notable for its utter lack of historical detail: we don’t really know anything more about it other than its date of completion, July 25, 1788.

What we do know is that this group of works was written during a particularly difficult time in Mozart’s life: his father had died in 1787, and in addition to new financial stressors that led the family to move from the city to the suburbs, the Mozarts lost their infant daughter, Theresia Constanze, just one month before this work was composed. While there is no known reference to his personal life as it relates to this symphony (it was perhaps composed for a concert series in London that never materialized), it’s not difficult—even without knowing Mozart’s circumstances—to sense the threads of grief, agony, anger, love, and melancholy that are stitched into each bar of this work.

While it’s not known if Mozart ever heard his fortieth symphony in performance, Mozart did revise the work in 1791 by adding a pair of clarinets to the wind band, likely for a series of Viennese performances that April led by the (not-evil) conductor and composer Antonio Salieri. Over the past two centuries the work has achieved icon status in the Western canon for its rich chromaticism, sighing melodies, and jarring twists, reminding us that sometimes its ok to lean into those feelings we’d rather push away, for perhaps there, together, we can find solace. —Georgeanne Banker

Wolfgang Amadeus Mozart
Sinfonía n.º 40 en Sol menor, K. 550

I. Molto allegro
II. Andate
III. Menuetto. Allegretto
IV. Allegro assai

ESPAÑOL

De alguna manera, en el verano de 1788, Wolfgang Amadeus Mozart compuso las que serían sus tres últimas sinfonías en un lapso de aproximadamente seis semanas: su Sinfonía n.º 39 en Mi bemol mayor; la Sinfonía n.º 40 en Sol menor; y la Sinfonía n.º 41 en Do mayor. La sinfonía intermedia —una de solo dos sinfonías de Mozart escritas en una tonalidad menor— es una obra intensamente nerviosa, notable por la ausencia de una introducción fuerte y por su estética tumultuosa de Sturm und Drang (tormenta e ímpetu).

La Sinfonía n.º 40 también destaca por su total falta de detalles históricos: realmente no sabemos nada más sobre ella aparte de su fecha de finalización, el 25 de julio de 1788. Lo que sí sabemos es que este grupo de obras fue escrito durante un período especialmente difícil en la vida de Mozart: su padre había fallecido en 1787, y además de las nuevas dificultades económicas que llevaron a la familia a mudarse de la ciudad a los suburbios, los Mozart perdieron a su hija recién nacida, Theresia Constanze, apenas un mes antes de que esta obra fuera compuesta.

Si bien no existe ninguna referencia conocida a su vida personal en relación con esta sinfonía (quizás fue compuesta para una serie de conciertos en Londres que nunca se llevó a cabo), no es difícil —incluso sin conocer las circunstancias de Mozart— percibir los hilos de dolor, angustia, rabia, amor y melancolía que están tejidos en cada compás de esta obra.

Aunque no se sabe si Mozart alguna vez escuchó su cuadragésima sinfonía en concierto, sí revisó la obra en 1791 añadiendo un par de clarinetes a la sección de vientos, probablemente para una serie de presentaciones en Viena ese abril, dirigidas por el (no malvado) director y compositor Antonio Salieri. En los últimos dos siglos, la obra ha alcanzado un estatus icónico dentro del canon occidental gracias a su rica cromaticidad, melodías suspirantes y giros desconcertantes, recordándonos que a veces está bien dejarnos llevar por esos sentimientos que preferiríamos apartar, porque tal vez allí, juntos, podamos encontrar consuelo. —Georgeanne Banker

Thank you to our Onesies!